Lección 5. La invasión Británica I. No sólo The Beatles

Los Beatles son y serán, sin duda, la gran banda de los inicios del Rock, pero no son la única banda que merece formar parte de este enorme movimiento cultural. A comienzos de los 60 la música que sonaba en todas las emisoras de radio de Inglaterra era el skiffle, una mezcla ligera de folk y jazz. Pero al mismo tiempo se estaba gestando un nuevo movimiento musical que inicialmente no parecía tener mucho futuro. Los responsables de este movimiento underground eran fundamentalmente tres bandas que han llegado a ser míticas: En Liverpool cuatro jóvenes, que luego serían Los Beatles, cantaban basándose en el rhythm and blues negro que los propios norteamericanos despreciaban y abandonaban.

A la vez, sin ningún contacto con The Beatles, cinco jóvenes de Newcastle sentían las mismas inquietudes y se fijaban en la música negra americana que luego sería la base de todos sus éxitos. Sus nombres eran Eric Burdon, Alan Price, Chas Chandler, Hilton Valentine y John Steel, aunque pasaron a la historia del rock como The Animáls interpretando su gran éxito «The house of the rising sun».

Por último en Londres, otro quinteto se enfrentaba a la moda oficial y ensayaba viejos temas de negros aun a sabiendas de que nadie les querría oír. Estos se llamaban Mick Jagger, Brian Jones, Keith Richard, Bill Wyman y Charlie Watts. Juntos crearon los Rolling Stones, la cara agresiva del rock británico, la leal oposición a los Beatles, los que nunca les dejaron alejarse del todo del rock por temor a que los Stones ocuparan su puesto. De este triángulo de locos por el rhythm and blues nacería la gran ofensiva británica que en 1964 y 65 anegó el mundo y dejó sin respiración a los cantantes de otros lugares (a este grupo le dedicaremos la lección siguiente).

Estos tres grupos van a ser los primeros, pero a partir de ellos surgirá toda una exposión de bandas de rock: Los Herman's Hermits, los Bee Gees, los Who, Procol Harum, Dave Clark Five, los Hollies, Searchers, Merseybeats, Peter & Gordon, Spencer Davis Group, los Kinks, Manfred Mann, Zombies, Gerry and the Pacemakers, Brian Poole y los Tremeloes, Billy J. Kramer y los Dakotas, Them, Moody Blues e incluso los españoles Bravos que grababan en Londres y pensaban en el mercado anglosajón, como demostró su éxito con «Black is black».

Merece la pena que nos detengamos en alguna de estas bandas antes de referirnos a la otra gran superbanda junto a The Beatles, Los Rolling Stones.

The Who.

The Who se formó en 1964 por Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra, teclados y voz), John Entwistle (bajo y voz) y Keith Moon (batería y voz). Lo interesante de esta banda es que le dieron al rock un todo teatral y destructivo. Solían tocar con un volumen altísimo y terminaban destruyendo sus instrumentos. Son responsables, junto a los Rolling Stones, de la evolución del Rithm’n blues hacia un sonido más violento.

Una de sus canciones más importantes es, sin duda, My Generation, que rápidamente se convirtió en un himno de la música Rock. La letra encarna buena parte de lo que significaba esta música para la juventud británica primero y de todo el mundo después: vivir rápido y morir jóvenes:

La gente trata de menospreciarnos
Simplemente porque vamos donde queremos
Lo que ellos hacen es frío y aburrido
Espero morir antes de hacerme viejo
esta es mi generación

Años más tarde, en 1971, en su album Who's Next, The Who iba a componer una de las mejores canciones de todos los tiempos  «Baba O'Riley»

 

The kinks

The Kinks se formó en 1964 al norte de Londres, formada por los hermanos Ray y Dave Davies. The Kinks está reconocido como uno de los grupos de rock más importantes e influyentes de todos los tiempos. Su música tiene influencias de una amplia gama de géneros, entre los que se cuentan el R&B, el music hall británico, la música folclórica y el country. Ascendió a la  fama en 1964 con su tercer sencillo, «You Really Got Me», compuesto por Ray Davies. 

 En 1970 los Kinks sacaron una de sus mejores canciones, que la revista Rolling Stone incluyó en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Lola es una canción escrita por Ray Davies  que detalla un encuentro romántico entre un chico joven y un travesti que conoce en una discoteca del Soho en Londres. La canción alcanzó el número dos en las listas del Reino Unido y el nueve en las de Estados Unidos. 

Los Bravos

Merece la pena que hagamos también una mención de un grupo español que también tuvo una gran repercusión internacional en este inicio del Rock, los Bravos. El grupo se creó en 1965, tras el encuentro en la discoteca Jaima en Cala Mayor (Palma de Mallorca) de miembros de Los Sonor, grupo de Madrid en el que militaban el guitarrista Antonio Martínez y el teclista Manuel Fernández Aparicio, y de Mike and The Runaways, que tras su estancia y experiencias musicales en Alemania desde noviembre de 1964 regresaban a Mallorca en julio de 1965. Su mayor éxito les llegó en 1966, con la canción "Black Is Black", que fue un éxito internacional (llegó al número 2 de la lista de ventas del Reino Unido y al número 4 en Estados Unidos). El otro éxito internacional del grupo fue "I Don't Care" (especialmente en el Reino Unido, donde alcanzó el número 16 en la lista de ventas).

 

Lección 4.La banda más importante de todos los tiempos: The Beatles.

Si le preguntan a cualquiera acerca de cuál es la banda de rock más influyente de todos los tiempos, seguramente nueve de cada diez dirán que sin duda los Beatles. Un grupo que a penas estuvo en la escena musical diez años, la década de los 60, pero que dejó escritas más de 500 canciones, de entre las cuales están muchos de los mejores temas de pop-rock que jamás se han compuesto.

The Beatles lo formaron a principios de la década de los 60 cuatro Jóvenes de Liverpool: John Lennon, Paul Mccartney, Ringo Star y George Harrison. Mucho se ha dicho sobre por qué los Beatles llegaron a ser tan grandes. Y seguramente la única explicación posible reside en estos cuatro nombres. En esta banda inglesa se concentró tal cantidad de creatividad y genialidad que el resultado tenía por fuera que ser brillante. Los Beatles lo hicieron todo, lo tocaron todo, experimentaron con todos los estilos, jugaron con la música de modo que han resultado ser la mayor influencia de la Historia del rock. Tanto es así que, treinta años después, Kurt Cobain, lider de Nirvana, afirmaba con pesadumbre que los Beatles ya lo habían hecho todo, que después de ellos sólo quedaba el punk o el metal.

" En octubre de 1962 las emisoras musicales inglesas comenzaron a radiar un disco sencillo de un grupo de Liverpool. El disco salió a la venta el 5 de octubre publicado por EMI y ofrecía en sus dos caras canciones de dos compositores desconocidos: John Lennon y Paul McCartney. Los dos eran, además, las voces principales de las canciones al tiempo que tocaban la guitarra rítmica y el bajo. La canción de la cara A se titulaba muy simplemente Love me do y se colocó de manera muy tímida en las listas de éxito británicas.

El recibimiento que tenía el primer disco de The Beatles no hacía prever lo que está a punto de suceder con ellos, con la música y general y con el mundo. Pero con este sencillo se abrió la más espectacular carrera musical del siglo XX. Ocho años después, cuando el conjunto se disolvió, la música popular se había transformado radicalmente y el mundo había cambiado de época. Pero en 1962, tras tener problemas para conseguir discográfica, The Beatles era un grupo con tres miembros fijos, Lennon, McCartney y George Harrison, y un cambio de batería pendiente que coindiciría con las grabaciones para EMI: se incorporaría Ringo Starr. Mientras grababan algo estaba cambiando en su entorno porque los conciertos eran cada vez más multitudinarios, las fans comezaban a gritar de manera imposible y los medios de comunicación británicos se hacían eco de la necesidad de policías alrededor de los locales en los que actuaban. Cinco meses después, con la aparición de su segundo sencillo y su primer disco grande, la tendencia se había transformado en fenómeno y, casi sin saber por qué, el grupo se convirtió en la cara de la nueva Inglaterra. Un año después, The Beatles conquistaron Estados Unidos y fueron capaces de sentar frente a la emergente televisión del momento a 70 millones de espectadores, casi la mitad de la población del país.

En las cifras de The Bealtes casi todon son récords. Discos vendidos, versiones realizadas, asistentes a un concierto y, sin embargo, las cifras no son capaces todavía de medir la influencia musical de que la que se considera la banda más importante de la historia. Fue un grupo muy intenso y con un ritmo de producción alto: hicieron diez discos en ocho años manteniendo al tiempo unas giras largas y agotadoras que, a mitad de carrera, decidieron abandonar. Su discografía, del primer disco al último, marca una transformación que no tiene igual en la historia de la música. Cambios que fueron seguidos de modo inmediato por una larga lista de grupos y que todavía hoy son utilizados por las bandas contemporáneas"(1).

Las canciones que proponemos para esta lección son de muy difícil elección. ¿cómo elegir unos pocos temas de tanta genialidad?. Seguramente cualquiera que lea esta entrada puede recriminarnos que nos dejamos aquella o aquella otra: 

 

1. I want hold your hand (1963)
Fue la primera exposición ante el público americano de la magia que tenían Lennon y McCartney al escribir canciones. Abrió el camino de la beatlemania y representó lo que su productor George Martin llama “el vértice de la primera fase del desarrollo de los Beatles”.

2. Yesterday (1965)
La canción más versionada de los Beatles llegó a la cabeza de McCartney a través de un sueño. “Me tiró de la cama”, explicó el cantante.

3. In my life (1965)S
Es una de las letras más personales de Lennon, y también una de las culpables, entre otras muchas, de las discusiones dentro del grupo sobre “quién ha escrito qué”.

 

 4. Eleanor Rigby (1966)

«Eleanor Rigby» pertenece al  álbum Revolver. La canción fue escrita por Paul Mccartney. La novedad es que incluye un doble cuarteto de cuerdas orquestado por George Martin  y una llamativa letra sobre la soledad, la canción hizo continuar la transformación del grupo,  haciendo ver una banda de estudio más seria y experimental. Rolling Stone la puso en el puesto número 197 de su listado de las 500 mejores canciones de la historia.

McCartney siempre sostuvo que el nombre "Eleanor" lo tomó de la actriz Eleanor Bron y el apellido "Rigby" era una tienda de abastos de Bristol. Pero durante la época de los 80, alguien encontró una tumba en el patio de la iglesia St. Peter (lugar donde se conocieron Lennon y McCartney), cuyo epitafio tenía grabado el nombre de Eleanor Rigby (muerta el 10 de octubre de 1939 a la edad de 44 años).

5. Sgt Pepper Lonely Heart's club Band (1967)
 Es una canción escrita por Paul, y la primera canción grabada del álbum Sgt Pepper's. La canción aparece dos veces: primero como la canción de apertura , y como «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)», la penúltima canción. Este tema es la introducción a la banda ficticia que toca en el álbum.


 
6. Hey Jude (1968)
McCartney se inspiró en el hijo de John Lennon y Cynthia (su primera mujer), Julian, para componer esta letra. Aunque Lennon, cuando la escuchó por primera vez, pensó que hablaba de la relación entre él y Yoko Ono.

7. Across The UNiverse (1969).
 La canción fue escrita por John Lennon en Kenwood tras una discusión con Cynthia Powell, su mujer. Mientras estaba tumbado en la cama, la frase pools of sorrow waves of joy (estanques de pena, olas de alegría) le vino a la cabeza, y allí se quedó hasta que se levantó y la escribió.
 

8. Let it be (1970)
Paul McCartney le dio un toque muy soul a lo Aretha Franklin a este tema que compuso mientras el grupo vivía su etapa más problemática. Un mes después de editarse este tema, McCartney anunciaba el final de los Beatles.

(1) Texto entrecomillado de http://www.lavozdegalicia.es/noticia/ocioycultura/2012/10/03/historia-the-beatles-comenzo-50-anos/00031349265526107259870.htm

Lección 3. El Rock se convierte en cultura: Bob Dylan

Es imposible comprender el Rock si no hablamos de otra de sus patas, a parte del blues. Es verdad que el Blues aportó el sonido y la estructura básica de las canciones de rock, así como buena parte de su condición de música rebelde. Pero va a ser la música folk americana, el country, la música tradicional de los colonos del medio oeste,  quién le va a aportar lirismo y profundidad. Cantantes como Woody Guthrie primero, con sus canciones cargadas de crítica social, pero fundamentalmente Bob Dylan después, con  una música llena de ironía y hastiada sabiduría, influenciarán positivamente al rock, que dejará de ser simplemente una música rebelde para bailar y molestar, y convertirse en una música profunda para transmitir toda una cultura.

Bob Dylan es, sin duda, el autor fundamental de esta aportación. Es verdad que hubo otros, Guthrie, Joan Baez, Bob Seger, pero va a ser Bob Dylan quien más profundamente componga canciones, quien establezca el nexo con la música Rock y quien, sin él quererlo, se hará representante de todo un espíritu. Podríamos decir que, con Dylan, el espíritu del tiempo, se encarna en la música Rock, que en adelante ya no será una manifestación aislada de una juventud airada, sino que se convertirá en un vehículo cultural y contracultural de primera mano, como lo pudiera ser la literatura, el teatro o el cine. Bob Dylan justifica que se estudie el Rock como parte del programa de estudios de un joven en el mundo contemporáneo, pues sólo a través de las manifestaciones culturales de una época, ésta puede conocerse.

 




De las múltiples canciones de Bob Dylan, destacamos las cuatro siguientes, muy representativas de su progreso como músico y como poeta:



BLOWIND IN THE WIND from Eduardo Abril on Vimeo.



3 MR TAMBOURINE MAN from Eduardo Abril on Vimeo.


 
THE TIMES THEY RE CHANGIN from Eduardo Abril on Vimeo.

Lección 2. El rock’n Roll Americano: Elvis Presley

Hemos visto como el Rock tal y como lo entendemos nació del intento de tocar blues que los chicos blancos de los barrios industriales de Inglaterra hicieron a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. Pero el Blues era una música que provenía de Estados Unidos y también tuvo consecuencias en este país. Era una música fundamentalmente rural, la música que los negros americanos del sur de los Estados Unidos habían venido cantando y tocando desde comienzos de siglo. Se interpretaba generalmente en estos ambientes, las tabernas de trabajadores negros, en las plantaciones, en las fiestas populares, las celebraciones religiosas, las bodas y los funerales. Era una música popular y no profesional, pues casi todos los cantantes y músicos de blues eran negros que tenían además otros oficios.

En los años 40, como resultado de la guerra mundial las fábricas del norte de los Estados Unidos necesitaron mucha mano de obra, pues hacía falta alimentar la maquinaria bélica y la mayoría de los “chicos blancos” se alistaban en el ejército. A los negros, considerados ciudadanos de segunda, no se les permitía generalmente la participación en el ejército, a no ser que fuera en puestos de poca responsabilidad, nunca como soldados. Así que muchos de ellos viajaron del sur rural al norte industrial llevando consigo sus harmónicas y sus guitarras acústicas. Este hecho iba a ser importantísimo para la evolución de esa música, dado que en las ciudades del norte, sobretodo Chicago y Nueva York, ciudades populosas e industrializadas, el blues negro tendría un hijo: el Rock’n Roll. 

 

El rock’n Roll nació como una versión acelerada del Blues, tocada con los tradicionales instrumentos de blues, la guitarra y la harmónica, pero acompañada  instrumentos de orquesta, como el piano, la trompeta, el saxofón… etc. La harmónica y la guitarra acústica de los bluesmans dio paso a la batería, las guitarras electricas, el piano y las secciones de cuerda de los cantantes de rock´n Roll de los años 50. El blues, que había sido una música fundamentalmente rural daba paso al rock’n roll, que se interpretaba en clubs nocturnos y salas de fiesta a las que acudían los habitantes de las ciudades. Rápidamente se van a popularizar muchos de estos cantantes negros de rock’n roll, que se harán tremendamente populares entre la juventud norteamericana. De todos los artistas de Rock’n Roll va a destacar sobre los demás, Chuck Berry, sin duda el que puede ser considerado padre del Rock’n Roll. 

La música Blues era una música densa, pesimista, cruda y real. Por eso la juventud británica cuando buscaba una música comprometida y dura acudió al Blues y no al Rock’n Roll. El rock’n roll no quería ser una música rebelde, En realidad, la mayoría de canciones de esa época ensalzaban  el estudio como lo principal para los jóvenes, a los padres como los que saben qué es lo mejor para sus hijos, defendían el matrimonio y no entregarse hasta la noche de bodas, hablaban de que el amor debe ser eterno y ensalzaban la fidelidad, el trabajo, la responsabilidad… etc. Pero algo sí que tenía el Rock’n roll: era vitalista, burlón y divertido, una música positiva que invitaba a disfrutar de la vida. Por eso millones de norteamericanos durante los años cincuenta, una época sin guerras y con prosperidad económica, se van a lanzar a bailar y disfrutar de las canciones de rock’n Roll que tocaban los negros en los clubs de Chicago, de New York o de Ilinois.

Aquí, en su energía y positividad, iba a residir el verdadero carácter carácter revolucionario de esta música. Lo revolucionario de esta música estaba en el hecho de que era precisamente una música de negros que escuchaban y bailaban mayoritariamente los blancos. Para comprender esto hay que entender cómo era la sociedad norteamericana de los años 50. En esta época la comunidad negra y la blanca se encontraban completamente separadas; los negros no tenían derecho a acceder a buenos trabajos y se les reservaba siempre las ocupaciones peor pagadas, residían en guetos en las ciudades puesto que en los barrios de blancos nadie les vendía una casa y, pese a que en teoría la ley era igual para todos, en la práctica eran discriminados en todos los ámbitos de la vida pública. A modo de ejemplo podemos decir, que no podían ocupar los asientos delanteros en los transportes públicos, en los edificios públicos (colegios, piscinas..etc) tenían servicios separados de los blancos, en algunas ciudades no podían salir a la calle después de las diez de la noche, había hospitales para negros y para blancos. El resultado era, en definitiva que dos comunidades convivían en el mismo territorio pero una de espalda a la otra.

Pues bien, tras décadas de segregación racial, y de desprecio de los negros por parte del “hombre blanco”, que miraba a los negros como hombres inferiores con una cultura decadente el rock`n Roll abrió una brecha en esta división. De pronto son los jóvenes y adolescentes blancos y norteamericanos, los que no pueden evitar sentirse atraídos por uno de los elementos más importantes de la cultura negra, la música. Eran los blancos los que, ahora, daban la espalda a su propio universo musical, ignoraban la música ligera y melódica, y se acercaban a las guitarras de los cantantes negros. Este hecho puede considerarse como una lenta revolución silenciosa: era la música la que iba a comenzar a mezclar a dos comunidades que vivían la una de espaldas a la otra. Y esta revolución fue comprendida por mucha gente durante los años cincuenta. Algunos la rechazaron, como el Consejo de Ciudadanos Blancos de Alabama, que afirmaba en 1956 que "EL `ROCK' ES UN MEDIO PARA REBAJAR AL HOMBRE BLANCO AL NIVEL DEL NEGRO". Otros supieron apuntarse a la revolución, como Alan Freed, locutor de radio en Cleveland (Ohio), que después de oír comentar al propietario de una

tienda de discos, cómo los jóvenes blancos se sentían cada vez más atraídos por los cantantes negros, comenzó a emitir en la radio un programa que se llamaba Moondog's rock and roll panty, programa que fue un éxito inmediato.

Los magnates de la música y las grandes discográficas, en manos de blancos, llevaban un tiempo buscando cantantes que permitieran convertir esa “música negra del demonio” en un producto más vendible, más controlable, menos subversivo, más “blanco”.  Buscaban blancos tocando Rock’n roll. Uno de los cantantes blancos que más éxito va a tener es Bill Halley con su tema  Rock arround the clock

Pero el icono indiscutible de  lo va a encontrar la discográfica RCA en un joven de Memphis, Elvis Presley. Elvis era el icono indiscutible de este espíritu. Daba el perfil perfecto para ser una estrella blanca y inocua, la primera estrella rutilante del rock’n Roll: un chico blanco, guapo, que bailaba bien  y que cantaba como un negro, que volvía locaa a la juventud norteamericana, con el toque justo de rebeldía que gustaba a las jóvenes adolescentes y lo suficientemente formal para ser el novio perfecto que querrían sus padres.  Elvis se convirtió en un producto bien producido, enlatado y controlado. Durante la década de los 50 sus discos arrasaron en las listas de éxitos y sus películas se encontraban entre las más taquilleras.

En 1955 saltó a la fama con algunos de sus mejores temas como BLUE SUEDE SHOES

 

Pero sería en 1956 con su famoso “Love me tender” que alcanzaría el estrellato indiscutible y rodaría su primera película, y con temas como Heart Break Hotel

Se inició así una carrera musical rutilante en la que sus éxitos discográficos solían ir acompañados de películas que aumentaban su éxito y su culto a la personalidad.En marzo de 1957, ya convertido en una estrella, adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus incontables admiradores.

  

Hount dog 1957

 Sin embargo, todo ese mundo discográfico y cinematográfico que había convertido la música en un producto listo para ser vendido y consumido por manadas de jóvenes y adolescentes, pronto iba a pasar factura a su máximo exponente, pues también se iba a convertir en uno de los primeros mártires de la música Rock. Elvis se convirtió en uno de las estrellas más importantes de la música Rock durante la década de los 50 y 60, por lo que se le apodó “El Rey del Rock”. Aguantó incluso la invasión y el éxito de las bandas británicas, como Los Beatles y Los Rolling, en los años 60 y 70 produciendo alguno de sus mejores canciones como “In the Gheto” o “Suspicious Minds” . Sin embargo él mismo fue la víctima de su propio éxito: llegó a la fama como u producto discográfico, pensado para conquistar a millones de jóvenes, pero no pudo soportar ese mundo y se refugió pronto en las drogas. A finales de los años sesenta, ya era un adicto que se hundía día a día en su adicción, sin dejar de ser nunca una gran estrella.

En 1973 se su imagen adquirió el tono claramente excesivo que caracterizó sus últimas apariciones: exagerado tupé, sobrepeso y trajes de cuero blanco con pedrería. Tras caer inconsciente en varias ocasiones en el escenario, falleció oficialmente de un ataque al corazón, sin duda consecuencia de sus excesos con las drogas y el alcohol. A pesar de su acelerado declive, Elvis Presley se ha convertido en un icono del siglo XX y en una de las figuras más relevantes de la historia de la música popular, como atestiguan sus más de cien discos de oro, platino y multiplatino.

Lección 1.Los inicios del Rock

A comienzos de los años 60 la música que se editaba en Estados Unidos o Inglaterra era inocua, dulce y tediosa. Hacía ya una década que había terminado la segunda guerra mundial y el mundo parecía moverse con tranqulidad. Los grupos y cantantes de moda cantaban canciones que hablaban de cosas sin importancia, de amores correspondidos, de una vida fácil y ausente de problemas. La música carecía de rabia y pasión, acorde con una sociedad occidental que parecía autocomplacida y feliz. Esta era la época de Cantantes como Bobby Vinton, que cosechaba éxito tras éxito en las listas de discos más vendidos con cada uno de los singles que sacaba. 

Bobby Vinton - Blue Velvet:

Pero los jóvenes de Estados Unidos y fundamentalmente de Inglaterra, ansiaban una música más rebelde e intensa. Especialmente entre la clase trabajadora británica, cuya vida estaba lejos de ser fácil y apacible, las canciones de los cantantes melódicos americanos sonaba a chino. Buscaban una forma de expresión que diera cauce a toda la rabia y frustración de una generación que no había vivido la guerra mundial y no creía que el mundo fuera un lugar tan bonito como pintaba la clase política. Esta música la van a encontrar en la clase más baja de norteamerica, los negros. La clase nergra norteamericana llevaba décadas tocando una música que mezclaba la rabia, la tristeza y la insatisfacción: el blues. La clase trabajadora inglesa no se identificaba con los cantantes melódicos y sus canciones sobre una realidad bonita y perfecta que ellos no conocían, sino que se identificaban con la clase negra, y con una vida llena de dificultades y decepciones. La música blues que tocaban los negros estaba llena de furia, enfado y pesimismo.

John Lee Hooker: Boom Boom 

Muddy Waters: I just want make love to you

Los jóvenes ingleses se lanzaron a escuchar el blues de los negros americanos y rápidamente empezaron a surgir bandas británicas que querían tocar como ellos y hacían versiones de sus canciones. En 1962 se formó una de estas bandas en los suburbios de Londres cuando el guitarrista Cliff  Richards y el cantante Mig Jaegger fundaron The Rolling Stones, tomando una canción de Muddy Waters como nombre. Comenzaron a tocar un tipo de Blues que sonaba diferente y que rapidamente miles de jóvenes británicos reconocieron como la música que estaban buscando. 1965 Una generación de jóvenes que habían crecido escuchando la múcica Blues había inventado el nuevo sonido que sería el rock. La consigna era “afuera lo viejo, dentro lo nuevo”. Es una generación de Jóvenes que quieren romper con todo y empezar algo nuevo. Surgieron bandas como Los Rolling Stones, The Beatles, The Kings,  The who.Al principio serán bandas intentando tocar versiones de grandes "bluesmans" norteamericanos:

Rolling Stones :  Around and around

Pero pronto, al descubrir todas estas bandas que contaban con un éxito inesperado, chicos blancos tocando canciones de negros, muchas de ellas se lanzaron a componer sus propias canciones, naciendo la versión blanca de la música negra, el Rock.

Una de estas primeras canciones de rock, sino la podemos considerar la primera, pues sentaría las bases de lo que es el rock,  es sin duda el tema de Rolling Stones,  Satisfaction: un rif de guitarra potente, una batería marcando el ritmo con fuerza, una letra provocativa y sexual y un estribillo fácil y pegadizo: 

 Pero no sólo Satisfacción, Junto a los Rolling Stones, Los Beatles, los Kinks o los Who pueden ser considerados como los grupos que fundaron y dieron comienzo a una nueva música que iba a cambiar el mundo. Los Beatles, con sus líderes Paul MCartney y John Lennon se demostrarán como compositores inteligentes y traerán al rock la melodía; The Kinks descrubrirán el sonido tosco y aspero de la guitarra; The Who sentará las bases de lo que será en el futuro una banda de rock:  tipos problemáticos y desenfadados.

The Beatles. I Saw her standing there:

 

The kinks – You really got me:

   

The who es posible la primera banda pura de rock, sólo de rock. Rolling y Kinks en realidad trataban de hacer blues a su manera y les salían canciones de rock. Los Who ya no querían hacer blues, simplemente tocaban rock. En 1965 lanzaron una canción que seguramente defina al rock: My Generation.

The who.  My generation: